Pocos festivales de cine locales han sentido la pandemia como el Outshine Film Festival (Festival de Cine Outshine ), pero como lo ha hecho la comunidad queer tantas veces antes, ha perseverado. Celebrado dos veces al año, Outshine tiene una edición de Miami en abril y una edición de Fort Lauderdale en octubre. Hasta ahora, ha producido dos festivales de cine durante la pandemia, con una tercera – y con suerte la última – edición alterada por la pandemia que comenzará el viernes 23 de abril.
Las restricciones no han disuadido a sus organizadores.
“No importa quién sea usted y cuál haya sido su viaje de salida del armario, tenemos una película para usted”, proclama con orgullo el director ejecutivo Víctor Giménez.
Una vez más, el festival está lleno de lo último en cine LGBTQ + de todo el mundo, que incluye ficción, documental y una sólida selección de cortometrajes con todos los géneros, tendencias y perversiones imaginables. Las proyecciones serán predominantemente virtuales, siendo las notables excepciones una proyección en la noche de apertura de Potato Dreams of America en el Dezerland Drive-In el viernes, y una presentación al aire libre de Charlatan en la noche de clausura en el Miami Botanical Gardens el 2 de mayo. Entre esos sujetalibros hay casi 50 eventos que muestran lo mejor del cine queer.
El festival ha tomado los parámetros de la pandemia con calma y ha encontrado formas de hacer que las proyecciones sean más accesibles y mejorar la experiencia de visualización a través de períodos de alquiler más largos y sesiones de preguntas y respuestas virtuales con los cineastas en los canales de las redes sociales. Si bien es posible que no todos puedan disfrutar del estreno de un festival en compañía de los demás, Outshine se compromete a unir a la comunidad queer a través del cine.
A continuación, en orden alfabético, se muestran algunos de los aspectos más destacados del festival de este año.
AIDS Diva: La leyenda de Connie Norman
Es discutible si AIDS Diva: The Legend of Connie Norman es asombrosamente actual o simplemente un ejemplo de historia que se repite perpetuamente. Una piedra angular del circuito de festivales de cine queer, el documental sobre el VIH / SIDA a menudo ilustra los peligros de una crisis de salud pública enredada con guerras políticas culturales. Esto puede sonar familiar; Existen fascinantes paralelos entre el documental de Dante Alencastre y nuestra actual situación pandémica.
La tenacidad de su sujeto impulsa AIDS Diva . Connie Norman, una ex drogadicta y mujer trans seropositiva maravillosamente sin complejos, radical pero empática, es un ejemplo de cómo traducir el miedo en valentía. Tomando su diagnóstico personal, Norman defendió el activismo político y social en el ámbito del cambio progresista y las políticas públicas. Una parte fascinante del documental gira en torno a la capacidad de Norman para amplificar sus mensajes mediante el uso inteligente de los medios en una era anterior a la democratización y ubicuidad del activismo en las redes sociales. El mayor éxito de la película de Alencastre radica en la forma en que consolida a Norman como un miembro fundamental y esencial de ACT UP y corrige la inclinación transexclusiva a lo largo de la historia política queer.
Construido con entrevistas de amigos y colegas de Norman, así como un tesoro de material de archivo, el documental logra equilibrar el retrato de la vida personal de Norman con su activismo. Con un tiempo de ejecución total de alrededor de una hora, la película se beneficiaría de tomar un respiro aquí y allá para reflexionar y expandir ciertos aspectos. Alencastre conecta el rumbo de Norman con otros movimientos activistas, como la lucha por el control de armas, y pasa por alto otros, como el movimiento Black Lives Matter, pero no profundiza lo suficiente. La importancia compartida de la comunicación y el conocimiento, y el fracaso de las instituciones y la valentía y el sacrificio de quienes responsabilizan a los poderosos, necesitan más tiempo para marinarse.
Hacia el final de su vida, en una de sus entrevistas finales, Norman se lamenta: “El cuerpo está fallando”, y luego cambia de manera característica a “pero el alma se eleva”. La leyenda de Connie Norman es una de perseverancia y progresismo, y el documental de Alencastre es un digno testimonio de ese legado. Proyecta prácticamente desde el sábado 24 de abril hasta el miércoles 28 de abril. Trae DeLellis
Enfant Terrible Foto cortesía de Outshine Film FestivalEnfant terrible
Un enfant terrible es un joven genio creativo cuyos métodos incitan, insultan e irritan a quienes lo rodean. Oskar Roheler no pudo encontrar mejor título para su biopic sobre el provocador y prolífico cineasta Rainer Werner Fassbinder. Para aquellos que no están familiarizados con el icónico cineasta queer, Enfant Terrible puede aburrir o molestar. Pero los aficionados a Fassbinder agradecerán una mirada profunda a la caótica vida detrás de la pantalla de la controvertida figura. De cualquier manera, vale la pena combinar la película con algunas de las películas clásicas de Fassbinder, que se pueden encontrar en Criterion Channel y HBO Max.
En el aspecto técnico, Roheler y su equipo creativo han logrado algo fascinante: han elaborado una película biográfica sobre Fassbinder que se parece increíblemente a una película real de Fassbinder. El diseño del escenario sobrio y artificial, junto con la iluminación antinatural y de neón y el vestuario deliciosamente chillón, recuerdan la puesta en escena única de Fassbinder. Además, en el papel principal, Oliver Masucci se transforma asombrosamente físicamente en Fassbinder y ofrece una actuación comprometida que captura al director errático y tiránico.
Sin embargo, a pesar de todo este trabajo encomiable, la película lucha por encontrar una estructura narrativa o un ritmo absorbente.
Aunque Enfant Terrible parece una película de Fassbinder, la versión de Roheler se encuentra atrapada entre los extremos polares de Fassbinder de intelectualismo frío y melodrama exuberante. Enfant Terrible nunca logra capturar la alquimia cinematográfica de Fassbinder, la forma en que el director transformó sus provocaciones en un cine poderoso. La película resultante es toda id. La manipulación sádica que Fassbinder impone a quienes lo rodean comienza a fusionarse y volverse monótona. En un momento, Fassbinder se queja de no haber creado una obra maestra (una afirmación que la mayoría de los cinéfilos disputarían) porque “no se pueden hacer con prisa”. Enfant Terrible también tiene prisa y nunca logra desarrollar una visión real de su tema.
La película captura los últimos 15 años de la vida de Fassbinder mientras pasa de amante en amante, de película en película. Se basa en su deseo insaciable de crear y su impulso destructivo por el sexo y las drogas, pero nunca expone realmente sus motivaciones o significado. Enfant Terrible sugiere que cancelar la cultura habría terminado con la carrera de Fassbinder si no hubiera sido la cocaína: personificaba el ambiente laboral tóxico. En una conferencia de prensa en un festival de cine, Fassbinder resumió el personaje principal de Veronika Voss declarando: “Ella se dejó destruir”. Ese sentimiento ciertamente se hace eco de la propia vida de Fassbinder. Enfant Terrible se siente desconectado de su personaje principal; la película nunca va más allá de las maquinaciones de un monstruo manipulador para mostrar el verdadero genio detrás de la cámara. Se proyecta prácticamente desde el miércoles 28 de abril hasta el domingo 2 de mayo. Trae DeLellis
My My Best Part Foto cortesía de Outshine Film FestivalMy Best Part
La gente queer es desordenada. Nicolas Maury, como actor y director, lo entiende muy bien. En My Best Part ( gasa Garçon ), Maury interpreta a Jérémie, un actor gay en apuros que está pasando por eso. Es obsesivo, celoso, inseguro y prácticamente al borde de un ataque de nervios desde el momento en que lo conocemos. Mudarse con su madre de voz suave (Nathalie Baye) provoca un despertar forzado para ambos: darse cuenta de que la vida, tal como la conocen, podría mejorar con un poco de reflexión.
Hay cierta casualidad en la forma en que Maury se acerca a todo. Incluso su propia histeria como personaje, desde limpiarse las lágrimas con la camiseta sin mangas manchada de semen de su ex durante una pelea hasta cuestionarse si es demasiado mayor para interpretar a un adolescente suicida, son extrañamente silenciados. Sin embargo, no es en absoluto una falla, es un experimento más interesante para ver cuánto se puede restar importancia al melodrama. Sin embargo, ocasionalmente da como resultado algunas inconsistencias tonales. En un momento parece que apunta al absurdo, al siguiente, a la sensibilidad.
Por más discordantes que puedan ser esos cambios, especialmente cuando Maury presenta un número musical de la nada, My Best Part muestra mucha promesa en él como cineasta y refuerza aún más la presencia convincente que tiene en la pantalla. Su trabajo en la serie francesa Call My Agent! y varias películas pasadas han demostrado su considerable variedad y voluntad de entregarse a una deliciosa autocrítica destinada a conquistar al público. Aunque Maury se enfoca demasiado en sí mismo aquí, permite que varios actores secundarios brillen en escenas individuales, desde las tiernas interacciones de Baye con su hijo hasta el estallido hilarante y casi completamente frívolo de Laure Calamy. Pantallas virtualmente desde el miércoles 28 de abril hasta el domingo 2 de mayo. Juan Antonio Barquin
Saint-Narcisse Foto cortesía de Outshine Film FestivalSaint-Narcisse
El nombre Bruce LaBruce recuerda el cine queer transgresor, desde fetiches y mujeres militantes hasta follar zombis y la intersección del arte y el porno. Para bien o para mal, la trayectoria de LaBruce como cineasta ha sido ir en contra de las normas culturales. Saint-Narcisse , su última obra, es en muchos sentidos una de sus obras más dóciles, pero no deja de tener la desvergüenza de su obra en su conjunto.
Saint-Narcisse se presenta inicialmente como una historia sobre un joven narcisista, Dominic (Félix-Antoine Duval), que se encuentra en un viaje para encontrar a su madre al descubrir su existencia. Mientras tanto, Daniel (también Félix-Antoine Duval) está en un monasterio remoto, siendo aprovechado por un sacerdote con un fetiche por San Sebastián. Revelados como hermanos gemelos, sus viajes individuales se conectan de maneras únicas.
Si esta breve sinopsis suena absurda, ciertamente lo es, y la película en sí no tiene reparos en entregarse a cualquier cosa que desee. Desnudez masculina frontal, gemelos, sexo en una lavandería mientras mirones miran, lamiendo los pies de una estatua de cera ensangrentada, autoflagelación al masturbarse con catálogos de ropa interior: la lista sigue y sigue. Estas escenas no existen para sorprender a la audiencia, pero están cómodamente integradas en la película y en la forma casual en que se acerca a la transgresión. Una cosa es ser un provocador perezoso, pero LaBruce está más en sintonía con la capacidad de John Waters para jugar con pastiche y camp.
A veces, es casi como si Saint-Narcisse se hubiera compuesto después de una noche de atracones de obras recientes de cineastas franceses contemporáneos como Yann Gonzalez ( Knife + Heart ), Alain Guiraudie ( Stranger by the Lake ) y François Ozon ( Double Lover ). Hay menos pulido en la película de LaBruce que el brillo que poseen estas obras, pero la voluntad de LaBruce de ser francamente cómico es lo que marca la diferencia. La fusión de su sentido del humor con la sinceridad con la que se acerca a la noción de construir la propia familia queer, por muy extraña, pansexual e incestuosa que parezca, es lo que imbuye a Saint-Narcisse de su encanto. Pantallas virtualmente desde el sábado 24 de abril hasta el miércoles 28 de abril. Juan Antonio Barquin
Truman & Tennessee: An Intimate Conversation (Truman y Tennessee: una conversación íntima) Foto cortesía de Outshine Film FestivalTruman & Tennessee: An Intimate Conversation
La documentalista Lisa Immordino Vreeland dejó su huella al explorar las vidas de creativos excéntricos, primero con su abuela y editora de Vogue Diana Vreeland, luego con la coleccionista de arte Peggy Guggenheim y el fotógrafo Cecil Beaton. Continúa esta tendencia con su última película, Truman & Tennessee: An Intimate Conversation , esta vez dirigiendo su mirada hacia dos íconos literarios queer del sur, Truman Capote y Tennessee Williams. En lo que Capote llamó “una amistad intelectual”, Immordino Vreeland narra la vida de estas dos leyendas, en sus propias palabras.
Todos los temas pasados del director compartieron un componente visual distinto y pronunciado que está ausente en Truman & Tennessee . En cambio, la película se basa en gran medida en el audio para crear la conversación entre sus protagonistas. Utilizando entrevistas grabadas de Capote y Williams combinadas con trabajos de doblaje (de éxito variable) de los actores Jim Parsons como Capote y Zachary Quinto como Williams, Immordino Vreeland crea un muro de sonido informativo y expansivo que da cuerpo a los pensamientos internos de Capote y Williams. Aún así, la película lucha por encontrar un estilo visual coherente o convincente e intenta compensar en exceso con imágenes aburridas y que distraen. Con los escritores como sujetos, el documental está en un aprieto en cuanto a cómo dar representación visual a sus palabras. El director se basa en adaptaciones cinematográficas de las obras de ambos autores, un ejercicio defectuoso si se tiene en cuenta que Williams y Capote expresaron su descontento con esas adaptaciones.
Si bien la forma podría necesitar más pulido, el contenido es intrigante. Immordino Vreeland logra descubrir los puntos en común entre Capote y Williams respetando su individualidad única. Ambos homosexuales, ambos sureños, ambos productos de crianzas descuidadas que se rehicieron a sí mismos en la ciudad de Nueva York, sin embargo, tenían visiones del mundo muy diferentes. Capote y Williams solo comparten la pantalla en algunas fotos. No hay una discusión real entre los dos titanes literarios. Más bien, Immordino Vreeland yuxtapone los pensamientos de cada hombre sobre el proceso creativo, la celebridad, la adicción y los celos para construir una conversación íntima.
La película crea una sensación de nostalgia por un tiempo con celebridades literarias más grandes que la vida. Incluso se destacan sus apariciones nocturnas en programas de entrevistas. Alcanzaron la mayoría de edad en un momento en que los entrevistadores estaban ansiosos por interrogar y examinar profundamente la vida y la creatividad en lugar del paisaje árido de hoy de contenido de video viral aspirante. Si bien no es tan interesante como The Capote Tapes del año pasado, Truman & Tennessee ofrece ideas innegables sobre sus temas y señala que un documental en profundidad sobre Tennessee Williams sería muy bienvenido. Puede que este no sea el estudio definitivo de Capote o Williams, pero Truman & Tennessee hace lo que debería hacer un buen documental: informar, estimular el interés en el tema e inspirar investigaciones complementarias. Proyecciones prácticamente desde el miércoles 28 de abril hasta el domingo 2 de mayo. Trae DeLellis