A pesar de los desafíos que enfrentó el año pasado, el Festival de Cine Judío de Miami regresa esta semana con su programa más grande y ambicioso. Si bien gran parte de 2020 se ha definido por el aislamiento y la distancia social, el festival ha colocado la accesibilidad por encima de todo . La 24ª edición incluye proyecciones virtuales, autocines y visitas al aire libre en persona, lo que permite múltiples puntos de entrada. Además, los organizadores del festival han hecho todo lo posible para ofrecer todo el contenido de este año de forma gratuita, eliminando cualquier barrera para descubrir el último y mejor cine judío contemporáneo. Con más de 100 películas proyectadas durante las próximas dos semanas (del 14 al 29 de abril), hay mucho tiempo para encontrar sus favoritas.
Aquí hay cinco películas para disfrutar durante el Festival de Cine Judío de Miami de este año.
Honeymood
Honeymood de Talya Lavie es precisamente el tipo de versión encantadora del matrimonio que más necesitamos en estos días. Su incidente incitador es simple: en su suite de luna de miel, Eleanor (Avigail Harari) y Noam (Ran Danker) se encuentran peleando por una carta y un anillo que su ex novia le dio a Noam como regalo. Lo que comienza como un viaje para devolver el anillo rápidamente se convierte en una serie de absurdos.
Los protagonistas capaces de Lavie se ven obligados a tener en cuenta todo, desde elaboradas secuencias de baile hasta enfermeras suicidas, y el director maneja de manera impresionante el tono de la película en todo momento. No solo busca el humor, aunque tiene mucho, sino que mantiene un trasfondo constante de preocupación sincera por la tensión ejercida sobre el nuevo matrimonio de los personajes. Lavie se burla de los peligros que conlleva un matrimonio rápido, de dejar las discusiones sin terminar (tanto con su cónyuge como con sus seres queridos antes) y de la forma en que se espera que actuemos en el matrimonio.
El enfoque caprichoso de Honeymood de gran parte de lo que hace no está muy lejos de la forma en que Lavie se burló de lo ridículo que podría ser ser un gruñido para las Fuerzas de Defensa de Israel. Su interés parece estar en diseccionar establecimientos rígidos y mostrar cuán absurdas pueden ser muchas de las reglas que las acompañan. El matrimonio viene con más equipaje de lo que uno espera, y uno no puede evitar sonreír cuando ve a otra persona sufrir todo lo que eso conlleva. 7:30 pm el miércoles 14 de abril en North Beach Bandshell, 7275 Collins Ave., Miami Beach. Las entradas están agotadas; visite miamijewishfilmfestival.org para ser incluido en la lista de espera. Juan Antonio Barquin
Foto cortesía del Festival de Cine Judío de MiamiIsaac
Si quieres cine cinético, no busques más allá de Isaac , el primer largometraje del cineasta lituano Jurgis Matulevicius. Emocionante, temperamental y misterioso, Isaac es un tour de force donde se siente como si cualquier cosa pudiera suceder. La película combina perfectamente una inquietud que a menudo se asocia con el cine de Europa del Este con la frescura y la emoción que recuerda la energía imprudente del cine new-wave de la década de 1960. Isaac es un cable vivo, impredecible, peligroso y de alto voltaje.
La película comienza con un solo plano desgarrador y virtuoso de seis minutos que muestra la masacre de Lietukis Garage de 1941 , en la que los nacionalistas lituanos torturaron y asesinaron a más de 50 hombres judíos. El horrible evento acecha a la película restante, ya que Isaac lidia con las réplicas de la masacre 20 años después. Gediminas Gutauskas (Dainius Gavenonis), un cineasta, ha regresado a casa después de dos décadas fuera, ansioso por comenzar la producción de su última película, un recuento de la masacre. Su regreso a casa se ve atenuado por su reencuentro con Andrius (Aleksas Kazanavicius), quien permaneció en Lituania durante la guerra y está luchando por procesar su propio trauma y acciones, y un agente de la KGB que intenta reabrir una investigación sobre la masacre provocada por la sospechosa precisión de Guión de Gediminas. Además, Elena (Severija Janusauskaite), la esposa de Andrius, comienza a trabajar en la película y se desarrolla una especie de triángulo amoroso.
Es cierto que es fácil perderse de vez en cuando en los giros de la trama, y Matulevicius deja algunos hilos narrativos sueltos. Pero la corriente surrealista de conciencia de la película, infundida de su material original por Antanas Skema, es uno de sus elementos más emocionantes. Lo que se desarrolla es un misterio de meta-asesinato que explora la vergüenza, la culpa y el trauma de una manera exquisita. Matulevicius prefiere el cine puro a la exposición. El lenguaje visual, definido por una cámara inmersiva desencadenada con tomas extendidas junto con un diseño de sonido moderno y anacrónico, se libera de la dinámica cinematográfica de época restrictiva y produce algo atemporal y universal. La imagen final de Isaac es inquietante y captura a una generación de almas perdidas que se encuentran en un nuevo orden mundial definido por una moral corrupta. Son personas ansiosas por olvidar lo que no se puede olvidar, personas cuyo futuro está anclado por el pasado. Proyección virtualmente del 14 al 29 de abril. Trae DeLellis
Foto cortesía del Festival de Cine Judío de MiamiKenny Scharf: Cuando los mundos chocan
Kenny Scharf: When Worlds Collide comienza con el artista describiendo su proceso. Las palabras no son particularmente conmovedoras, perspicaces o articuladas, pero esto sirve como testimonio del éxito del documental. Lo que sigue a las palabras de Scharf es un examen maravillosamente íntimo, informativo y convincente de la evolución y supervivencia de Kenny Scharf. Los cineastas Malia Scharf y Max Basch exteriorizan artísticamente el proceso intuitivo de su tema de forma cinematográfica para que la audiencia lo aprecie.
Los documentales en los que los realizadores y el sujeto son demasiado cercanos (en este caso, la hija y el padre) suelen levantar una bandera roja. ¿Está comprometida la objetividad? Afortunadamente, esta película es una excepción bienvenida. La estrecha conexión entre los Scharfs crea intimidad y acceso al trabajo del artista y los artefactos personales que guían esta película. Los directores organizan la cornucopia de materiales de una manera que complementa y realza el trabajo de Scharf, y el ritmo de edición coincide con el hiperactivo proceso creativo del artista. Los cineastas trazan de manera experta la vida del artista desde su infancia ajena en el Valle de San Fernando hasta el apogeo de la escena artística de Nueva York de la década de 1980, donde se reinventó a sí mismo y su regreso a Los Ángeles como conserva como artista en activo y en cualquier lugar intermedio. Para los fanáticos del subgénero de artistas y documentales, When Worlds Collide se destaca por la forma en que explora cómo un artista se desarrolla, lucha y evoluciona a lo largo de una carrera de más de 40 años.
La película hace lo que hacen todos los grandes documentales sobre personas creativas: equilibra el genio y lo humano. Los realizadores capturan los altibajos de la vida de Scharf, y el artista ofrece comentarios sinceros y conscientes de sí mismo sobre su trabajo y su vida. Lo más destacado de la película se refiere a la prominencia de Scharf en la escena artística del East Village de la década de 1980 y su amistad y celos con contemporáneos como Keith Haring y Jean-Michel Basquiat. Los directores exploran maravillosamente cómo el éxito, el dinero y la fama alteraron a esa generación de artistas y cómo las drogas duras y la epidemia del SIDA diezmaron el movimiento.
Este pasaje revela la posición de Scharf como una especie de caso atípico, un superviviente. A diferencia de Haring y Basquiat, sigue trabajando; su legado aún no se ha escrito. Si bien muchos descartan el trabajo de Scharf como caricaturesco y chiflado, este documental presenta un argumento sólido sobre su comentario serio sobre la cultura contemporánea. Independientemente de si el trabajo de Scharf es de su gusto personal, el mayor logro del documental es que aún puede apreciar el arte y el artista. When Worlds Collide es un tributo a la resistencia y evolución de un artista, tanto que puede haberse titulado Un retrato del artista cuando era joven … y como un hombre mayor. Proyección virtualmente del 14 al 29 de abril. Trae DeLellis
Foto cortesía del Festival de Cine Judío de MiamiVerano del 85
Con su vigésimo largometraje en casi la misma cantidad de años, François Ozon sigue siendo uno de los cineastas más asombrosos y subestimados del cine contemporáneo. Lo último de Ozon es una historia trágica y bañada por el sol del primer amor, un camaleón de tono y género, que subvierte juguetonamente las nociones de identidad y sexualidad en todo su trabajo. Adaptado de la novela para adultos jóvenes de Aidan Chambers Dance on My Grave , un texto reverenciado por la adopción temprana de temas gay positivos en 1982, Summer of 85 continúa una excelente racha en la obra de Ozon como un maestro cineasta.
Si bien habrá comparaciones superficiales con Call Me By Your Name , la película de Ozon ofrece una mayor complejidad narrativa, ya que teje un romance de verano junto al mar con una secuela oscura y desoladora similar al cine negro. Una cosa está clara desde el momento en que el protagonista rompe la cuarta pared en la introducción: Ozon es un cineasta con el control total, y su espectador cautivado está atado para el viaje.
Los elementos técnicos son de primera categoría. La continuidad de la edición a medida que la historia cambia del pasado al presente, el contraste en la cinematografía, la gran atención al vestuario y un tremendo uso de la música y el diseño de sonido, todos son elementos admirables. Los dos jóvenes protagonistas, Felix Lefebvre y Benjamin Voisin, capturan la torpeza y el éxtasis del primer amor con la facilidad de una brisa de verano. Sería un crimen no destacar la actuación de robo de escenas de la frecuente colaboradora de Ozon, Valerie Bruni Tedeschi, como una madre excéntrica y cómicamente invasiva con las mejores intenciones. Después de terminar esta deliciosa película, asegúrese de buscar más del trabajo de Ozon; como Almodóvar y Fassbinder, es uno de los autores más llamativos del cine queer. El verano del 85 obtuvo la asombrosa cantidad de 12 nominaciones al César (el equivalente francés de los Premios de la Academia). Proyección virtualmente del 14 al 29 de abril. Trae DeLellis
Foto cortesía del Festival de Cine Judío de MiamiTahara
Tahara es una película incómoda y, dependiendo del tipo de espectador que seas, esto te atraerá mucho o te desanimará desde el principio. Cada fibra de su ser parece diseñada para aislar al espectador. Aún así, hay algo completamente fascinante en la forma en que la directora Olivia Peace enfatiza cómo los protagonistas en su esencia son incapaces de navegar incluso en las situaciones más básicas.
La película de Peace, que da vida a un guión de Jess Zeidman, es un esfuerzo de bajo riesgo. Es una historia de la vida sobre dos mujeres jóvenes (interpretadas por Madeline Gray DeFreece y Rachel Sennott) presentes en el funeral de un compañero de clase que se suicidó, tratando de lidiar con la angustia abrumadora que las rodea. Ellos y sus compañeros de clase se involucran en el mismo tipo de comportamiento performativo que muchas personas de la escuela secundaria, lamentando la pérdida de alguien a quien apenas conocían, actúan en este tipo de situación. Todo es un juego para ver quién se preocupa más cuando la realidad es que todos están perdidos en sus propias inseguridades y vicios. Esto también se extiende a todas las actuaciones de los actores, que parecen intensificadas intencionalmente para enfatizar lo absurdo que puede ser el drama adolescente.
La forma en que Peace y el director de fotografía Tehillah De Castro enmarcan la película, en una relación de aspecto eficiente y cuadrada, funciona de maravilla para enfatizar la incapacidad de estos personajes para escapar de sus propias tonterías. Sus ansiedades y fantasías cobran vida en la pantalla a través de la animación, a veces stop-motion, a veces literalmente dibujadas, en algunas de las mejores secuencias de la película. Incluso los momentos más pequeños, como una conversación, contados a través de movimientos oculares y gestos vagos en la sien con subtítulos que llenan los huecos de la conversación, son un gran ejemplo de cómo Tahara florece cuando se inclina hacia lo experimental.
Inevitablemente, sin embargo, gran parte de su duración se siente agotadora en su ritmo y tono. El humor es demasiado sutil para su propio bien y, a pesar de un guión con muchas ideas para explorar, especialmente cuando se trata de queerness y mayoría de edad, la película nunca se compromete realmente a desglosar lo que estas cosas significan para ninguna de estas jóvenes. o les concede tanta interioridad como se merecen. Sin embargo, por más tosco que pueda ser Tahara en los bordes, hay suficiente aquí para admirar y despertar la curiosidad sobre lo que vendrá después de todos los involucrados en su creación. Proyección virtual del 14 al 29 de abril. Juan Antonio Barquin