Ver "The Body Electric" de MOAD durante una pandemia transmite una nueva urgencia

En su título, hay un guiño inesperado al famoso poema sensual y exuberantemente titulado del poeta estadounidense Walt Whitman, “Canto el cuerpo eléctrico”, que celebra la unión del cuerpo y el alma.

Sin embargo, las voces en este cuerpo eléctrico de Miami son sorprendentemente suaves.

“The Body Electric” reúne a 59 artistas de varias generaciones. Influyendo en su arte están las imágenes y los sonidos del impacto histórico de la televisión y el Sony Portapak de la década de 1960, el primer sistema de grabación de video portátil ampliamente disponible que podría ser llevado por una sola persona. Hay una presencia de video significativa: la exhibición presenta 34 obras en video con sonido, de 90 obras individuales en exhibición.

Pero aquí está la paradoja de una exhibición con tanto video: por razones que salvan vidas provocadas por la pandemia global, los audífonos, que permiten a los visitantes escuchar videos en privado sin interrumpir la experiencia de los demás, están desterrados. Como resultado, el sonido en los videos está disponible para todos los visitantes, pero por necesidad es menos que óptimo, excepto en los pocos casos en los que una instalación de video amerita una sola galería.

A menudo es difícil analizar los comentarios de la artista negra Howardena Pindell en su video seminal de 1980, Free, White and 21 , mientras describe encuentros con el racismo y el sexismo. En un momento, se envuelve la cabeza en vendajes para simbolizar ser silenciada y tratada como invisible.

Un extracto del video de 1986, What You Mean We? de la artista de performance Laurie Anderson, la muestra en lo que parece ser un diálogo estrafalario con un doble digital fumador empedernido, pero un sonido débil puede hacer que su interpretación sea en gran medida estéril.

Tales experiencias frustrantes nunca debieron suceder. Antes de viajar a Miami, “The Body Electric” abrió por primera vez durante los embriagadores días previos a la pandemia de 2019 en el Walker Art Center en Minneapolis, que organizó esta exhibición.

Lorna Simpson ve su trabajo, LA ’57 -NY ’09 (2009), en el Museo de Arte y Diseño.Foto de Karli Evans

Después de Minneapolis, la siguiente parada de la exhibición fue Yerba Buena Center for the Arts en San Francisco, donde cerró en febrero de 2020, poco antes de que la vida como la conocíamos se cerrara. La exhibición luego se inauguró en noviembre en Miami en MOAD cuando una pandemia devastó el mundo, lo que requirió cambios casi sísmicos para muchas instituciones culturales.

Experimentado hoy en Miami, “The Body Electric” anticipa cuántos de nosotros hemos vivido gran parte de nuestra vida a través de pantallas de computadora durante el encierro y la cuarentena. La tecnología Zoom ha reemplazado las reuniones físicas, enviando infinitas versiones electrónicas de cuerpos humanos.

Ver este arte a través de la lente no intencionada de una dependencia generalizada de la tecnología para navegar millones de encuentros sociales transmite una nueva urgencia. A medida que más tecnología impregna la vida diaria, el arte ilustra cómo invitamos a más vigilancia, a una manipulación de la información más éticamente cuestionable.

Curiosamente, ese potencial oscuro no es realmente evidente en los trabajos pioneros de Nam June Paik, considerado el fundador del videoarte y ampliamente conocido por querer “humanizar la tecnología”. “The Body Electric” incluye su icónicosujetador de TV de 1969 para Living Sculpture. La violonchelista de vanguardia Charlotte Moorman usó un “sostén de televisión” en lugar de uno real mientras tocaba el violonchelo en una actuación de cinco horas en una galería de Nueva York.

Mientras que el sujetador de TV parece casi anticlimático como objeto, con su torpe desgarbado de cajas de plexiglás y correas de vinilo, una película muda de 1971 transferida a video muestra su legendaria actuación. Su cuerpo se convierte verdaderamente en una escultura cinética fusionada con la tecnología.

Producida mucho más tarde, Surface Tension de Rafael Lozano-Hemmer puede haber humanizado la tecnología al crear un ojo de video gigante, pero su impacto es ominoso. Este globo ocular de pesadilla de gran tamaño sigue al visitante del museo que camina cerca del video.

Cómo no ser visto de Hito Steyerl (2013) Foto cortesía del artista

Según el texto del muro, Lozano-Hemmer se inspiró en las bombas guiadas por cámaras que provocaron destrucción en Irak durante la Guerra del Golfo en 1991. Durante la Guerra de Irak que comenzó en 2003, reformuló Surface Tension .

Hoy en día, es una metáfora de la vigilancia constante del siglo XXI, como la extracción de datos realizada por las redes sociales y los sitios de Internet. Como tal, nos recuerda cómo se utilizaron las publicaciones de Facebook para identificar a los participantes en el ataque del 6 de enero al Capitolio de los Estados Unidos.

Presentando numerosos autorretratos, esta exhibición presagia y hace paralelos a los ubicuos “selfies” publicados en las redes sociales. Los límites entre lo real y lo virtual comienzan a disolverse.

Está Cindy Sherman 1981 Sin título # 92 , un riff feminista de las páginas centrales eróticas, en el que Sherman adopta la pose de un modelo de revista porno pero con una expresión facial perturbada y ansiosa, evitando el deseo de muchos espectadores de placer indirecto.

Las fotografías en blanco y negro de Lorna Simpson también se inspiran en imágenes de mujeres en los medios de comunicación. Simpson’s 2009 LA ’57 -NY ’09 ofrece una crítica ingeniosa de fotos antiguas de modelos pin-up negras. Parecen en deuda con las nociones blancas de la belleza popularizadas en las películas. Se dice que Simpson se inspiró en un álbum de fotos de 1957 comprado en eBay que mostraba a mujeres negras anónimas en Los Ángeles posando coquetamente. En 2009, tomó retratos de sí misma posando de manera similar, presentándolos uno al lado del otro, arrojando luz sobre imágenes anticuadas de “belleza” de otra época.

¡Feliz cumpleaños de Ed Atkins! (2014) Foto cortesía del artista

El autorretrato de 2015, Sin título (Lil ‘Marvel) , de Juliana Huxtable posee el feroz ajetreo de una heroína de Marvel Comics altamente sazonada con la sexy confianza de una supermodelo negra. Un artista transgénero, Huxtable es conocido por crear avatares de género fluido, imágenes electrónicas que pueden ser manipuladas por usuarios de computadoras como los jugadores de video.

Ed Atkins también se sumerge en la tecnología de avatar. ¡¡Su cumpleaños de 2014 !! en video HD utiliza gráficos de computadora para crear una figura masculina robótica que parece todo menos feliz mientras abraza a otra figura robótica.

Los ingeniosos escenarios generados por computadora contrastan con los escalofriantes comentarios sobre la tecnología de vigilancia en How Not to Be Seen de Hito Steyerl, encargado para la Bienal de Venecia 2013. Relevante hoy en día, presenta un tutorial simulado con consejos absurdos para eludir la detección en un mundo de observadores.

La ironía oscura remata esta observación cerca del final: “Hoy las cosas más importantes quieren permanecer invisibles. El amor es invisible. La guerra es invisible. El capital es invisible “.